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Willy Claure & invitados: Cuecas para no bailar

Un entusiasta elogio de uno de los mejores CD de un músico nacional de los últimos años.

@Grillegas

En diciembre pasado, la sección de cultura del periódico Página Siete me preguntó sobre mi álbum nacional favorito de 2014 para fines de una nota de fin de año. Mi respuesta fue rápida y sin dudas: Cuecas para no bailar, del Willy.

Discazo. Rompes el celofán, abres la cajita y hay un texto que habla de la cueca. En una parte se lee: “…incorporada a la diversidad cultural del continente hispanoamericano, se ha convertido en patrimonio y bien común para varios pueblos o grupos socioculturales. No tiene un propietario único y exclusivo, esta danza es peruana, es chilena, es boliviana, es argentina y es de todos los pueblos que la sienten propia y la reclaman para sí”. (Uno sonríe aquí).

Quince cuequitas hermosas tocadas magistralmente. Diez las firma Claure y cinco son obras majestuosas de nuestro cancionero. Invitados de lujo aportando con sus voces en nueve de ellas. Degustemos.

Cuento del mundo. Obra de Matilde. Tenemos otra versión en un álbum de Emma Junaro que tengo ganas de reseñar pronto. Willy cantando y tocando la guitarra de manera indiscutible.

Cueca para no bailar. Primer invitado: Marcelo Arias (el Chelo de Quimbando, otra reseña pendiente), una voz evidente de nuestra escena actual. Llega una grata sorpresa: Cantarina, cueca de Willy que todos queremos, Milton Cortez le pone letra y voz, aplauso.

Una obra inmensa nuevamente de la señora Matilde Casazola: De regreso en la voz de Willy. (Como me disgusta cuando escucho cantar: “ya contemplo en tu infinito mis montañas recordadas” y no “recortadas” como escribió su autora). Este no es el caso obviamente.

José Luis Madueño, músico peruano con grandes credenciales le pone la voz a Clave de Fe. Pavel Urkiza, músico cubano del nuevo filin canta una de mis favoritas de este álbum: De Paso, sofisticada y nueva.

Un puñal envenenado, clásico de autoría de Nestor Olmos (autor de Rosa Carmín) y letra de Alberto Ruiz precede a No le digas donde aparece un músico argentino que admiro mucho. Me emocioné mucho cuando Willy me contó que Carlos Aguirre había aceptado participar y cantar los versos de Sáenz.

Joe Vasconcellos de Chile nos visitó hace algunos años, a mi parecer es de las mejores interpretaciones, canta Un solo pañuelo. Otra de mis favoritas es Olvídate de mí, taquirari del Yayo Joffré -grabado por Los Jairas- travestido en cuequita. Una maravilla. Willy me contó que Yayo en Ginebra lo felicitó.

Elsten Torres de Cuba canta Violeta, Ronaldo Vaca Pereira de Animal de Ciudad se encarga de Salamanca. La Caraqueña de Nilo, con un arreglo de guitarra excelente. Cierran el disco Javier Ruibal de España y Un viaje de ensueño en la voz de Claure que cada vez canta mejor.

Para terminar déjenme hacer un pequeño comentario sobre la producción, no estoy seguro sobre la programación de ritmos, con el nivel de ejecución de guitarra creo que bastaba.

Es irrefutable el trabajo de Claure en la cueca. Suman los colores de las voces de los invitados. Suma la elegancia. La experiencia de escuchar este nuevo trabajo alegra. Nos alegra la vida, para eso están las cuequitas. Gracias Willy.

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Wilco: Sky Blue Sky (2007)

@Grillegas

Tal vez el sol brillará hoy / las nubes se irán / tal vez no voy a sentir tanto miedo / voy a tratar de entender / de cualquier manera.

Cantando esas palabras en su lengua materna inaugura Jeff Tweedy este álbum. Este es el sexto trabajo de estudio de Wilco, Chicago boys al mando de Tweedy, uno de los autores actuales más interesantes. No sé si me gustan más las canciones o el sonido impecable y delicioso.

Intentaré contar algunas razones por las que agradezco tener este álbum entre mis acompañantes. Canciones sólidas, algunas simples, otras más sofisticadas. Un gran cantante/compositor.

 Aclaro esto porque entiendo que el compositor es el potencial mejor intérprete de su obra, eso más allá de sus cualidades técnicas vocales, que en el caso de Tweedy son altas.

Tiene momentos cercanos a Lennon. (Hablando de eso) Continúo, pasajes instrumentales del álbum bastante beatlescos, en métrica y arreglos. Lindos. Duelos de guitarras paneados muy intensos. Los dos guitarristas tocan raro. Muy originales. De hecho son muy divertidos.

Impossible Germany es una canción mayor. Tiene un gran diseño. Una intro perfecta, melo lindísima, solos de guitarra, pasajes/paisajes instrumentales. Arriesgada, más de la mitad de la canción es instrumental. Se va a quedar por aquí.

Tal vez prefieras la simpleza y tranquilidad de Sky Blue Sky. Yo me quedo con momentos como Side with the Seeds y Shake it Off con esos compases irregulares.

Encuentro la mayor dosis de sofisticación en el sonido que logran. Uno no puede parar de disfrutar como suenan esas viejas guitarras y sus viejos amplificadores a válvulas (6L6 seguramente), los pianos eléctricos, los Hammonds, la batería grabada con tanto ambiente.

¿Quieres escuchar algo retro rock folk neo country beatlesco inteligentemente producido? Consigue este álbum sha. 

Dale gracias

Lo mejor de 2014. Subjetivismo

El Grillo Villegas hace un difícil ejercicio de reflexión y reseña sus 15 discos imprescindibles del año pasado.

@grillegas

Comienzo mi columna este año con la difícil tarea de elegir lo mejor. Es difícil hacer listas. Sobre todo porque escucho varios géneros de música. Seré honesto: no me hago mucho problema con los géneros, puedo escuchar rock/pop, R&B/funk, jazz/blues, clásica, folk… uno detrás de otro en la misma caminata/viaje. Así que los nombro sin ningún orden. La música me mueve o no. Fácil y subjetivo.

Gran año musical. Amo descubrir nuevas voces. Nuevos sonidos. A la vez es una gran experiencia escuchar nuevos trabajos de leyendas. Buenas canciones que uno espera. Seguramente en el transcurso del año escribiré reseñas completas de algunos de estos trabajos. Esto pasa por algo azaroso en el sentido de que obviamente sólo escuché una pequeña parte de la escena musical del mundo el pasado año. Me queda sabor a poco la producción en nuestro idioma. Empecemos.

Ester Rada - Ester Rada

Israelí con raíces etíopes. AfroJazz, Soul, UrbanFunk, con muchos metales y grandes arreglos. Este es su álbum debut. Estoy muy entusiasmado con ella, no solamente es una gran voz sino que además escribe las doce canciones. Disfrutable de principio a fin. Bienvenida.

Lazaretto - Jack White

Impresionante segundo álbum de Jack. El viejo rock, rifero, blusero, sonidos extraordinarios de sus guitarras llenas de buzz, ocurrentes melodías. No sé si es mejor que su excelente predecesor Blunderbuss pero este álbum suena enorme, tiene grandes canciones, es atrevido, cita grandes momentos del rock. Lo siento cada vez más lejos de su comienzo con White Stripes. Exquisito. No nos dejes Jack.  

Popular Problems - Leonard Cohen

Clase. Cohen es maravilloso. La voz, las historias, los arreglos. Brota elegancia por todos lados. Un disco imperdible. Sufrido pero optimista, así lo siento.

Ske-Dat-De-Dat: The Spirit of Satch - Dr. John

Nacido hace 73 años como Malcolm John Rebennack, este pianista, compositor, cantante nos entrega un gran homenaje a Louis Armstrong. Disco co-producido con su trombonista y director musical Sarah Morrow. Trece interpretaciones de canciones grabadas por Satchmo. Genial en el piano y la voz. Super banda y grandes en la trompeta obviamente, como Terence Blanchard, Nicholas Payton, Arturo Sandoval y Wendell Brunios.

Tales - Diego Barber (+Craig Taborn)

Diego Barber es un guitarrista nacido en Lanzarote, Islas Canarias. Ganó incontables premios en guitarra clásica y tiene un excelente prestigio en el mundo del jazz actualmente. Este álbum es una conversación entre una guitarra clásica y el piano. Los dos instrumentos estirando fronteras gracias a las tres maravillosas composiciones de Barber y una de Ricardo Gallén. Estructuras de música clásica e improvisaciones de jazz. Un viaje excepcional por el universo con varios argumentos entrelazados. De lo mejor que escuché en años. Hermosa música.

St. Vincent - St. Vincent

Lo mejor de Annie Clark, la nueva dama guitarrista del rock. Hacía tanta falta. Capa total. Art rock, sonido nuevo, grandes melodías y riffs. Ingeniosa. Suena potente, agresivo, deforme. Me encanta, mi favorita (relativamente) nueva artista de rock. Este es su cuarto álbum. Excelente. Excéntrica terrible. Aplauso de pie.

Morning Phase - Beck

Excelente álbum lentiforme de este californiano. Disco de cantautor. Para mí, su mejor trabajo a la fecha. Escribí una reseña en este espacio hace unos meses. Protagonismo de su voz sobre estos arreglos acústicos. Irresistible.

Charlie Haden/Jim Hall - Charlie Haden/Jim Hall

Grabación en vivo en el Montreal Jazz Festival de 1990 editado por primera vez. Encuentro de dos gigantes que nos dejaron recientemente, Haden en 2014 y Hall en 2013. Imposible no alabar este álbum histórico de dos maestros. La magia que se palpa, la complicidad al más alto nivel hace de este álbum un bufet de pasajes deliciosos. Íntimo. Registro de un momento fantástico de dos virtuosos.  

Are we there – Sharon Van Etten

Cantautora nacida en New Jersey. Este es su cuarto álbum. Le costó convencerme. Pero algo me hizo confiar. Es un gran disco que se sostiene con sus melodías y acordes. Sin miedo ni grandes malabarismos. Folk, indie rock. Notable el clima de este álbum,  más notable la fuerza extraña de las canciones.

New Ammo – Karl Denson’s Tiny Universe

Jazz funk frenético. Amé este álbum en la primera escucha. Es un viejo tren desenfrenado. No baja nunca. Cuatro tremendos vientistas, pianista, guitarra, bajo y bata. Te explota la cabeza. Karl es un saxofonista de California que tocó con muchas leyendas del jazz y del rock. Demasiado groove, solos fantásticos, grandes arreglos, todo disfrazado de un gigante Jam. Discazo.

Multiviral – Calle 13

Quinto álbum de los puertoriqueños. Galeano abre con sus palabras. Continúa con la destreza verbal que conocemos de René. Contundente como siempre. Muy bien producido por Eduardo Cabra. Es un gran disco. Una feliz colaboración de Silvio. Feroz participación de Tom Morello (y Julian Assange).

Half the City – St. Paul & The Broken Bones

Soul Viejo delicioso y un gran álbum. Septeto de Alabama, con un cantante impresionante: Paul Janeaway. Primer álbum de este proyecto y uno se muere de ganas de escuchar más.

We Like It Here – Snarky Puppy

Tremenda banda de Jazz fusión liderada por Michael League, bajista, guitarrista, compositor, arreglista, productor de clase mundial. Todos los álbumes de Snarky son impresionantes. Este que nos dejan ahora es grabado y filmado en cuatro presentaciones en Londres. Ocho canciones con un nivel de virtuosismo y gusto de parte de toda la banda que asombra. Balance perfecto entre groove e improvisación. Suenan increíble.   

Bailar en la cueva – Jorge Drexler

Siempre es una buena noticia un nuevo disco de Drexler. Más ahora que siento falta de música en nuestro idioma. Candombe, cumbia, MPB, rock, electrónica, abundante mezcla de ritmos. Grandes invitados como Caetano, Li Saumet de Bomba Estereo, Ana Tijoux y Eduardo de C13. No es su mejor disco.

El Valle de la Infancia – Dino Saluzzi Group

Hacer música en familia, así, todo casero. Este gran bandoneonista argentino no defrauda. Esta vez junto a su hermano Félix en vientos, su hijo José María en guitarra, su sobrino Matías en el bajo, además de Nico Brizuela y Quintino Cinalli. Cuatro viajes-suites en episodios sagrados acompañados de paisajes inolvidables. Inolvidable versión de La arribeña de Atahualpa Yupanqui. Creo que es uno de sus mejores trabajos. Complejo-contemplativo. 

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Stevie Wonder: Innervisions (1973)

Grillo Villegas / @grillegas

23 años tenía Wonder cuando escribió y produjo este fantástico álbum. También tocó prácticamente todos los instrumentos. El nivel de lucidez de esta etapa en su carrera es impresionante. Escribió sobre racismo, religión, política, abuso de drogas y cosillas así de la sociedad.

Too high abre el álbum. Demasiado. Un Moog Bass haciendo la base y el Rhodes son los sonidos de este tema jazzeado. Es difícil creer la progresión armónica y el arreglo de voces. Más tarde escuchamos uno de los mejores funks escritos en la historia: Higher ground tocado con Clavinet y el Moog, ese sonido que amamos sus seguidores.

Este tema fue versionado por Red Hot Chilli Peppers e hicieron que una generación MTV/90 alucinara con la fuerza que tiene (creo que muchos no sabían que estaba escrita por Stevie, de hecho el arreglo es prácticamente el mismo, Flea hace con el bajo la misma línea que Wonder grabó con su mano izquierda).

Otros himnos del sonido Motown/R&B están en este trabajo: Living in the city, Golden Lady, Jesus children of América.

Aclamado por la crítica por supuesto, este álbum desde hace mucho es uno de mis compañeros de la vida. Aconsejo llevarlo encima siempre que se pueda. Tiene más de 41 años y suena perfecto, moderno. Goza de buena salud, honestamente no creo que le pase nada por muchas generaciones más. Fue parte de un gran ramillete de álbumes junto a Talking book y Songs in the key of life. Mis favoritos. Seguramente más adelante estarán en esta columna.

A los días de la presentación, saliendo de un concierto Stevie tuvo un grave accidente de auto, por supuesto no manejaba él, pero iba en el asiento delantero. Quedó muy lastimado, en coma me parece.

¿Lo que más rescato del álbum? Diría todo, lo que toca la armónica, el Rhodes, el Moog, el Clavinet, lo que canta, es un virtuoso en general, pero me quedo con su destreza para componer. Qué nivel. Porfa Stevie regálanos un par de álbumes más así, sólo para iluminar un poco esto que anda medio mal. 

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Steely Dan: Countdown to ecstasy (1973)

Grillo Villegas / @grillegas

Steely Dan pertenece a lo que yo concibo como la realeza en la mesomúsica. Con ustedes Donald Fagen y Walter Becker. Cinismo. Sonido perfeccionista de estudio.

Jazz rock, art rock o pop jazz, se los etiqueta cerca de allí. Gran sonido, arriesgadas ideas de progresiones armónicas. Este es su segundo álbum. Una pinturita de USA de los setenta. Prostitución, drogas, gansters, creencias espirituales, apocalipsis nuclear, decadencia, todo muy beat.

La primera canción Bodhisattva es un boogie muy divertido (irónico, por supuesto). En el segundo track empezamos a escuchar la destreza que tienen al escribir canciones. Son tremendos. Estructuras que respeto mucho. Intros, interludes, solos, puentes y varias partes. Estructuras que muchos temen hacer ahora.

The Boston Rag es una de mis favoritas. Sonido Steely, coros ensamblados, los pianos adictivos de Fagen y sus impredecibles cambios. Excelente.

Your gold teeth tiene una intro que muestra de donde vienen. Fundamentos del jazz y Bop en esa melo. No sé por qué se van en fade out, cosas de esos años, me imagino. Cuántos finales nos perdimos.

Show biz kids. Dan ganas de moverse sobre una armonía que no lo hace. Hipnotizante la base y las voces. Una slide guitar respondiendo a la izquierda de las melodías. 

Tres canciones más completan lo que es el lado B de la versión en vinilo. Acabando con un colapso y devastación nuclear.

El control que tiene la banda del formato de rock/pop es lo único que les permite agregar el nivel de arreglos tan sofisticados y esos textos. Grandes músicos tocando. La verdad empecé a apreciar/entender esta banda después de mi visita obligada a los íconos del rock clásico, cuando uno busca nuevos sabores en esta vida.

Steely Dan es una metáfora perfecta en la mía. Esos caminos impredecibles, con muchos cambios. Esos cambios que tienen una razón perfecta para existir. Porque luego vienen otros más y debes estar preparado.

Arriesgarse para crecer. Elegancia en las tensiones. Es el secreto. Estirar un poco. Caminar hasta ser sofisticado en ese camino. Perder la ingenuidad usando la ironía como ejercicio. Esencial en estos días. Existen soluciones distintas para cada encrucijada. Steely Dan por supuesto es un gusto adquirido. Ni siquiera este es mi álbum favorito de Fagen/Becker. Geniales. 

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Tom Waits: Rain dogs (1985)

Rodrigo Villegas / @grillegas

¿Qué es Rain dogs? ¿Qué hay dentro de ese álbum autoproducido por Tom Waits que lo hace uno de sus mejores trabajos de su carrera? Escarbaré las razones que me llevan a coincidir con esta afirmación.

¿Hay que hablar de la voz de Tom? No estoy seguro, podría decir que siempre me impresionó, al principio no la entendí, todavía yo era muy ingenuo para escucharla. Después de haber bebido la noche un poco la puedes tocar, pedazo a pedazo. Luego es capaz de abrazarte, o todo lo contrario. Estoy seguro que es de las voces más honestas que hay. Necesaria. Esas voces que parece que están buscando una licorería, reptando hacia ella.

Escribo esta columna emputado, decepcionado de gente cercana. Waits y este álbum son una excusa para entenderme ahora. Renovarse implica muchas verdades. Implica aceptar la mierda natural en que nos movíamos. Supuestamente te alejas de los demonios, esos perros de la lluvia, pero en realidad encuentras los verdaderos. Los hipócritas que te rodean / los falsos / los disfrazados. Quizás estar solo es la respuesta. Lo demás es decoración. Compañía interesada. 

El abismo se hace familiar al escuchar estas 19 canciones. Prohibido para niñitos/as. Ni lo intenten. Esto es un trago fuerte, no son dulcecitos. No los dejarían entrar en este cabaret.

¿Alguna vez se quedaron solos en un bar? Después que echaste a todo el mundo, es un momento fantástico. La oscuridad, el silencio, los fantasmas, el conocimiento que se vislumbra. En los noventas fui dueño de un bar en Sopocachi, en ese lugar precisamente conocí a Tom, era perfecto para él, podría jurar que era su bar favorito, por lo menos tengo la seguridad que le habría gustado pisarlo.

No había ventanas. Era extraño quedarse. Solamente unas ranuras muy finas en la puerta que daba a la 20 de Octubre me hacían notar que el sol estaba presente. Pero era cuestión de horas y unos discos más de este compañero nocturno para estar tranquilo nuevamente. Todos somos búhos.

Banjo, armonio, marimba, contrabajo, percusión, acordeón, saxo, violín, órgano se escuchan en una década plagada de maquinitas en las manos de músicos. Tom produce estas canciones con una deformidad que roza la belleza pura. Sarcasmo musical. La manera en que organiza estos sonidos es fakin perfecta.

Noches enteras te toma escucharlo, por si acaso. Tengo la sensación de que no te deja salir. Jodete si no lo entiendes. No lo mereces. Pero si quieres ver un poco de realidad, escucha este álbum, sentí el espectro. Gracias por la insanidad Waits.

Dale gracias

The Mosaic Project: Terri Lyne Carrington

Grillo Villegas / @grillegas

Baterista, compositora y productora. Ha colaborado con grandes como Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Al Jarreau, Wayne Shorter, Yellowjackets, Stan Getz, etc. Doctorado Honoris Causa y Professor en Berklee College of Music.

En este ambicioso y excepcional The Mosaic Project (2011) participan más de 20 grandes y finas artistas femeninas del jazz, instrumentistas y vocalistas: Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, Cassandra Wilson, Nona Hendryx, Patrice Rushen, Sheila E, Geri Allen, Tineke Postma, Ingrid Jensen, Helen Sung, Gretchen Parlato, Esperanza Spalding, entre otras. Quinto álbum solista de Terri.

Transformation abre el álbum. Asombrosa participación de la cantante multifacética Nona Hendryx (autora del tema), su voz y el solo de flugelhorn de la igual berkleeniana Ingrid Jensen ocupan la versión.

El funk y soul aparecen en el temón de Irving Berlin I get lost in his arms, cantada por Gretchen Parlato. El tratamiento de hard-swing jazz de Michelle de McCartney es impresionante por los arreglos, los solos de trompeta de Jensen, de Geri Allen en el piano y de Tineke Postma en el Saxo alto y la voz nuevamente de Parlato. El mosaico ecléctico continua llevándonos por el bepop, funk, soul, pop, R&B, fusión.

Puntos altos: el tema de Al Green Simply beautiful cantada por Casandra Wilson, Crayola tema de Esperanza Spalding, interpretada por ella en el bajo/voz, Wisful, Echo de Bernice Johnson, política canción con una intro de la activista de los derechos civiles Angela Davis y cantada por Dianne Reeves, Soul talk tema de Terri, y Hendryx interpretada por Dee Dee Bridgewater (el mejor groove del álbum).

Mosaic triad escrita por Terri, extraño tema que camina cerca del bebop y por supuesto Michelle.

Tengo muchos pensamientos sobre este trabajo. Ensamblar tan eficientemente los talentos enormes y distintos de estas mujeres. La elasticidad y libertad diseñada en la producción, armonías complejas del jazz y bebop junto a otros sonidos más accesibles como el funk, R&B. Caminos hechos por gente abierta como Hancock. Cada detalle pequeño hace la totalidad de una foto, y eso lo sabe bien Terri Lyne Carrington, quien nunca quiso ser vista como una mujer música, sino como una artista.

Justamente pienso que este álbum no tiene nada que ver con 20 mujeres increíbles tocando jazz y mostrándolo. Eso ya no está en discusión, artistas como Terri se encargaron de hacerlo ya hace mucho. Este es un gran álbum de música. Jazz y sus alrededores. Mente abierta. Arreglos abiertos. Disfruten. Es tan fresco. Excelente.  

Dale gracias

Lisandro Aristimuño: Mundo anfibio (2012)

Grillo Villegas / @grillegas

Es difícil explicarles lo que uno siente cuando descubre un nuevo cómplice. Un mundo nuevo musical que emociona. Este es el quinto álbum de estudio de Lisandro Aristimuño, inquieto y brillante músico nacido en Rio Negro, Argentina. Me imagino que de ahí nacen tantos paisajes.

Un concepto: capas sonoras superpuestas. Samples, melodías étnicas, arreglos de cuerdas, programaciones, instrumentos acústicos y eléctricos, rock, folk, indie, pop, electro y psicodelia. Todo se trenza en su mundo. La tensión natura vs ciudad, el ser anfibio saliendo del agua a la tierra, del pueblo a Buenos Aires (supongo). Encontrarse con nuevas especies. Desafiando. Adaptando. Aprendiendo.

Elefantes es la primera canción. Espesa. Denunciante. “Animales peligrosos / Elefantes ambiciosos / Todo se hunde en la noche / Invasores religiosos / Ancestrales mentirosos / Todo se hunde en la noche”.

Un dólar, un reloj y una frase sin sentido con la colaboración de Ricardo Mollo. Contrapunto de voces inmejorable. Lisandro es un cantante excelente, la textura de sonidos al fondo con la base/programación sosteniendo las dos increíbles melodías es perfecta. “Un cura y un pastor ahogándose en el limbo / Negocian el valor, el destino de la humanidad”.

Por donde vayan tus pies tiene un arreglo de cuerdas fantástico sobre una bata y unas guitarras eléctricas. “Un capataz buscando engordar, mata sin piedad”,  “un domador y su enfermedad grita sin cesar”, son parte de la letra describiendo el nuevo extraño lugar, donde deberá buscar su propio camino. Una joya. Creo que después de estas tres primeras canciones se encontrarán atrapados y curiosos sobre lo que viene.

Cien pájaros, Anfibio, How long y Aurora boreal. Cuatro canciones que demuestran el ecléctico y eficiente compositor/productor/arreglista que es Aristimuño.

Un gran momento musical. Pasajes y pasajes proponiendo grandiosas melodías encima de arreglos elegantes, y créanme no son pocos. Podrían haber ensuciado. Sabe. Quiero creer que también encuentra luz en este mundo que tala árboles. Recordando que siempre podemos volver. ¿Ser lo que somos es volver? Hablar de amor es vital. “Largos, tan altos los dos / Nos desnudamos de espalda a Dios / Luego de darle la mano”.

Igual que ayer. “Mutar para ser mejor”. Concepto que tengo tatuado en mi camino. Es doloroso sentir las imágenes que evoca mientras se pregunta “¿O acaso también se paga?

Traje de Dios. Vuelve Mollo pero en la guitarra. Enorme canción donde nuevamente denuncia, esta vez a “la señoría blanca del rock” con ese trajecito. “Quizás ya nunca se abra el telón / Quizás se emborrachó tu jardín”. Pozo y Aunque no estés aquí cierran este disco.

Intentemos redondear. Aristimuño se ha consolidado como uno de los creadores nuevos más importantes de la región y de nuestro idioma. Este álbum contiene once joyas. Es imposible no escuchar el álbum entero, cada canción te deja más sediento.

Uno de los mejores trabajos que escuché últimamente. Observando la dirección en la que viaja, espero altas obras de este rionegrino. Mientras, no puedo parar de escucharlo y admirar su trabajo. 

Dale gracias

Morning Phase

Grillo Villegas / @grillegas

Hermoso nuevito álbum de Beck. Lentiforme colección de canciones abrigadas. Después de Sea Change (2002) estaba convencido de que este gran músico nos prepararía algo grande. Me parece que este es su mejor trabajo hasta ahora, grabado con la misma banda de Sea change.

Lo primero que conmueve y hechiza es obviamente el sonido. Escúchenlo, es belleza pura. Guitarras acústicas, pianitos, mandolina, bata y bajo apenas presentes, arreglos sobrios de cuerdas (orquestados por su viejito) y deja todo el protagonismo del álbum a su voz. La voz y el efecto que lleva (un reverb setentoso floydeano, increíble) es lo mejor que escuché en años. Maravilloso.

Hablemos de las canciones. Cycle, la intro de cuerdas del disco solo nos abre la puerta para descubrir Morning, un mar de tranquilidad creado con /E A/G#m F#m/ , un puentecito y el coro /B/D A/.  Ni una nota demás, ni un arreglo demás. Madurez.

Heart is a drum, sube el tempo un poquito sin perturbar el estado en el que ya nos ha atrapado. Say goodbye nos mantiene en el exacto lugar donde estábamos. Flotando. Blue moon es distinta y empuja. Comienza con un groove de toms/bata y la frase: “Estoy tan cansado de estar solo”, pero no es triste. No sé explicarlo.

Unforgiven. Beck va por más. Un piano con Phaser, orquesta de cuerdas y una melodía que conmueve. Grande, grande, grande canción. Ahora aparece Wave, sección oscura de cuerdas grabada en el famoso Capitolio de Nashville, donde Sinatra grababa con su orquesta. ¿Por qué nos pone esto exactamente en la mitad del álbum? (quizás acabo de responderlo).

Don't let it go y Blackbird chain son dos canciones lindísimas para abrir la segunda parte de la obra. Folkies, Country. Música que escuchó mucho y sabe. Phase, otra intro de cuerdas que prepara Turn away. Armonía vocal perfecta.

Country down y Waking light cierran el álbum de una manera grandiosa. Canciones como las que se hacían antes. Para observar el planeta desde lejos. ¿Floyd? ¿Gilmour? ¿Guthrie? ¿Nashville? ¿Folk?

No me interesa. Este tipo de álbumes son los que uno espera tanto, y por eso tardan tanto en aparecer. Todavía no descifro la razón de incluir Wave en este álbum, pero estoy seguro que existieron varias importantísimas. Una joya. Adoro este Beck. Voy a escucharlo otra vez.