Imágenes paganas

Alejarse hasta volver

Sobre Alberto de Villegas, estudios y antología, libro que será presentado esta noche en La Paz.

Antonio Vera

1934. Guerra del Chaco. Un hombre de 37 años muere aquejado por disentería. Otra amarga ironía de ese sangriento conflicto: alguien va a la guerra con la candorosa ilusión del honor y el heroísmo, pero muy lejos de esos ideales, sin disparar un tiro, muere atacado por la fiebre y la diarrea. No lo mata una bala sino una bacteria.

El hombre se llama Alberto de Villegas y la historia cuenta que se alistó voluntariamente, ansioso por llegar al frente. “Cuándo será el día feliz que pueda combatir”, cuenta su amiga Ana Rosa Tornero que le dijo Villegas cuando visitaron juntos la línea de fuego. Como todo lo que ocurrió en esa guerra, esa frase y esa historia trunca parecen un delirante presagio, un síntoma exacerbado.

Antes de elegir con entusiasmo su destino trágico, Alberto de Villegas realiza un recorrido que, si no fuera por su final, tendría la apariencia del laxo viaje de placer de un culto intelectual de élite.

Temprano lector de Baudelaire y Verlaine, del modernismo español y el latinoamericano, colaborador desde sus 17 años en las páginas literarias de los periódicos paceños, estudiante de derecho, precoz funcionario de Estado, diplomático, viajero privilegiado por la Europa de las vanguardias, la experiencia de Villegas no parece acercarse ni por asomo a la de otros intelectuales latinoamericanos que, por esa época, están, por ejemplo, escribiendo Trilce, fundando el ultraísmo o gestando el creacionismo.

De Villegas, en ese sentido, parece asentarse en un gesto anacrónico: escribe y lee desde el adornado pedestal modernista, aun cuando éste está punto de ser enviado al desván por la irrupción de las vanguardias. Pero iluminada por la fría luz de su desenlace, la historia de De Villegas y el trazo escritural que deja a su paso pueden entenderse como la búsqueda de una voz propia, con la inevitable carga de angustia y de imposibilidad que implica hacerlo desde Bolivia a principios del siglo XX.

El libro Alberto de Villegas, estudios y antología nos permite participar de ese recorrido y abrir, como quien abre una herida, las mismas interrogantes. El libro, primero de una prometedora colección titulada Prosa Boliviana, tiene la impronta de un hallazgo pues muchos de los textos y fotografías publicados en esta edición (esfuerzo conjunto de la Carrera de Literatura, el Instituto de Estudios Bolivianos y Plural) fueron hallados en una caja que estuvo custodiada por el Archivo de La Paz.

Ordenados en secciones, la antología nos permite seguir el rastro a las distintas estaciones que visita la escritura de De Villegas: la fascinación por el pasado colonial -cristalizada en el magnetismo ficcional de Potosí- la forzada devoción por la historia y la cultura europea (o por sus catálogos), el agudo seguimiento de la actualidad política y cultural, y el entusiasmo idealizado por el glorioso pasado indígena a partir de reseñas, semblanzas y otros textos periodísticos.

El volumen ofrece también la reedición de Memorias del Mala Bar, una crónica fragmentaria de un decadente bar privado que De Villegas instaló en pleno Prado paceño, y que se convirtió en una suerte de núcleo pecaminoso de encuentro y tertulia, al son de tangos y al calor de exóticos cock-tails.

Potosí, la cultura occidental, la bohemia decadente, Tiwanaku son las marcas de una ruta cuya continuidad ha quedado en el enigma. Cuando De Villegas muere estaba escribiendo una novela que dejó inconclusa (y que se publica también en el volumen).

En su famoso ensayo sobre la literatura peruana, José Carlos Mariátegui dice: “Por los caminos universales, ecuménicos que tanto se nos reprochan, nos vamos acercando cada vez más a nosotros mismos”. Ese parece haber sido el destino creador de De Villegas: alejarse hasta volver.

Uno de sus últimos textos publicados es un obituario de Ricardo Jaimes Freyre en el que enfáticamente se lamenta por la imagen final del poeta potosino: muerto solo en una miserable habitación de Buenos Aires. Sin saberlo, De Villegas estaba lamentando su propio final. Estaba poniendo el dedo sobre una herida que todavía sangra.

Además de la antología, el libro contiene ensayos que practican una lectura de la obra de este genial autor de vida fugaz, escritos por Pedro Brusiloff, Ana Rebeca Prada, Omar Rocha y Fredy Vargas.

Ensayo

Novela latinoamericana actual, una breve aproximación

A partir de unos pocos nombres y ejemplos, el autor trata de trazar un muestrario básico de las tendencias estilísticas y temáticas de los narradores de la región.

Aldo Medinaceli / Escritor

Aunque es muy difícil trazar las líneas definitivas de lo que se viene haciendo en América Latina en cuanto a producción de novelas, sí es posible esbozar algunas reflexiones acerca de sus puntos destacados, sus luces más brillantes y los caminos que las mismas vienen fraguando.

Si bien la producción en el continente se había destacado por poseer diversos registros, hoy parecería que ésa se ha convertido en su marca distintiva: la ausencia de una voz dominante y la riqueza de mundos subjetivos, a veces más íntimos, otras más comunales.

La llamada literatura de autor se encuentra cada vez más y mejor acompañada por la literatura de género, la crónica profesional, la netamente comercial y la no-ficción.

No hace mucho se publicó con inusitada expectativa la novela El día de contarlo todo de Jeremías Gamboa, -o en su título reducido: Contarlo todo-, obra que rápidamente trajo a la memoria los primeros libros de Mario Vargas Llosa, tanto por su calidad y cercanía ideológica, como por su enaltecimiento del oficio.

La novela nos lleva de paseo por una Lima en ascenso, abierta al mundo, tanto así que varias de las críticas se han enfocado en este supuesto carácter globalizante de la obra. Sin embargo es destacable la audacia emotiva que brindan sus páginas, los logros en el aspecto de creación de tensiones así como por el brillo de sus mejores momentos.

Así como Gamboa, el mexicano Julián Herbert también ha optado por la variante autobiográfica. En Canción de tumba Herbert recurre a una escritura de magnífica altura poética, cínicas descripciones de su visión del mundo, donde todo parece decantarse.

Una sonoridad bien lograda (Herbert además toca en una banda de rock: Las Madrastras) y algo de poesía experimental: flujos narrativos, introspecciones narcisistas y notables momentos dramáticos, todo esto sin dejar de lado el humor. La novela nos confía la agonía de su madre, además de sus vivencias en festivales literarios. Un poco de drogas. Sexo. Realidad. Ficción.   

Este narcoescenario está presente en varias novelas actuales. Tal vez la propuesta del también mexicano Yuri Herrera sea una de las más sólidas por su manejo exquisito del lenguaje, entre la oralidad y lo poético bien calibrado.

La novela Trabajos del reino logra crear un espacio autónomo, atemporal, en el que cada personaje tiene una función (el Artista, el Rey, la Niña), un mundo donde lo ilegal tiene códigos bien definidos y lo socialmente permitido apenas se siente como un eco marginal.

Quizás Contarlo todo represente bien el tipo de obra con enfoque principal en el sujeto urbano, en su interioridad, donde lo que ocurre alrededor pareciera ser sólo la música de fondo de la experiencia psíquica interior. Mientras que Canción de tumba, al no intentar hacer desaparecer su angustia vital, logre mayor profundidad humana, un cuestionamiento a los sistemas dominantes (sin decidirse a salir de los mismos) y un resumen de su sociedad.

Al fin y al cabo hablamos de obras de arte. La intimidad y la violencia. Sus mutuas dependencias. Sus acercamientos inevitables. Estas dos novelas pueden servir -a muy grandes rasgos- como ejes/ejemplos de una parte de lo que se viene produciendo en el continente.

Pero también existen propuestas más osadas como la del chileno Carlos Labbé o la escritora Pola Oloixarac, ambos un claro referente lingüístico y filosófico de los posibles cambios a venir en el siempre mutante género novelístico.

La novela experimental de Carlos Labbé: Pentagonal, incluidos tú y yo, ya viene configurada para un formato virtual, es decir que no existe en papel. Fue publicada en una página de internet (hoy está disponible en la web de la Universidad Complutense) porque sus capítulos en realidad son enlaces (links), posee un orden no-lineal y una estructura que pareciera provenir de los videojuegos o menús de dvds, y otro tanto de Macedonio Fernández.

Por su parte, la hilarante y magistral novela Las teorías salvajes de Oloixarac trasluce sofisticación pura. Una burla y al mismo tiempo una profundización de los códigos académicos. Demolición de las ideologías de izquierda, en especial de las que se asentaron (cómodamente) en el siglo pasado.

Ambas propuestas amenazan con sumarse a la lista de predecesores consolidados como Mario Bellatin, Wendy Guerra o Mario Levrero, incluso con mayores alcances formales que estos últimos.

De esta manera la actual novela latinoamericana brinda un amplio abanico de opciones para elegir, siendo cada vez más difícil encontrar fronteras claras, aunque ellas sigan presentes. El relativismo parece haberse adueñado de sus páginas.

Para concluir este breve esbozo me gustaría lanzar la pregunta si ¿son las ciudades el único espacio posible para ubicar nuestras ficciones? ¿O el vivir en urbes nos da el derecho de ser los únicos productores culturales? ¿Lo rural ha quedado fuera del mapa? ¿Fuera de moda? ¿Off?

Hace unos días una reseña publicada en La Vanguardia de España expresaba lo siguiente con motivo de la reciente Bienal dedicada a Mario Vargas Llosa:

“El indigenista Arguedas -que se suicidó en 1969- era blanco pero creció entre los indios tras ser maltratado por su familia. Vargas Llosa ha representado para algunos el otro polo, el urbano y cosmopolita, pero lo cierto es que también puede verse como una síntesis en el sentido de que su narrativa funde y explica los tres Perús: la costa (urbana), la sierra (rural) y la selva”.

A lo que el escritor peruano Carlos Yushimito respondía en su cuenta/red social:  “O sea que Arguedas es tan sólo, para la suficiencia del perfil que presenta el autor, un ‘indigenista’, un suicida, una especie de tarzán maltratado entre indios; mientras Mario Vargas Llosa, en ‘el otro polo’, es todo lo demás, casi una realización armónica del Perú nacional. ¿‘Urbano y cosmopolita’ no parece bordear aquí, además, al esclerótico prejuicio de lo ‘civilizado’? ¿Puede decirme alguien, por favor, que no llevo casi diez años leyendo y releyendo y admirando a ambos, a Arguedas y a Vargas Llosa, en vano? ¿Cómo dejar, pues, que queden reducidos a esta confrontación tan idiota?”.

Hacia el final de Contarlo todo el protagonista se acerca súbitamente a la obra de Arguedas como señal de una posible reconciliación. Y sí, tal confrontación a estas alturas debería haber sido por lo menos en parte resuelta como bien lee Yushimito.

La realidad sin embargo es que aquella vieja disputa pareciera haber encontrado un parcial vencedor -ilusiones del discurso-, cuando en realidad lo que se buscó siempre fue el acercamiento, la eliminación de aquellas barreras y sus anquilosados dogmas.

Esta serie de comentarios digitales abre otro debate quizás más interesante que el de este esbozo, el que sería imposible de iniciar sin aclarar la importancia de lo virtual hoy en día, así como su influencia en la nueva novela latinoamericana, pero eso ya sería harina de otro costal, o material para una nueva aproximación. 

Desde la butaca

El teatro como torrente

A partir de una lectura detallada de la nueva obra de Eduardo Calla, la autora efectúa una somera revisión a la primera semana del Festival Internacional de Teatro.

 Lupe Cajías

Eduardo Calla se despertó el lunes 7 de abril de 2014 agotadísimo, mas contento: “lo logré, finalmente lo logré. Conseguí juntar en un único espectáculo al quehacer dramatúrgico de las principales ciudades bolivianas, a las más destacadas tendencias del teatro boliviano y a mi generación de artistas y directores. En el horizonte quedan otras metas, pero ahora puedo brindar tranquilo”.

 “Festejé los diez años de mi compañía Escena 163 con más de 30 artistas que ya invité durante esta década. No soy parte de las roscas competitivas y hasta envidiosas y me gusta compartir y por eso puse la olla para que cada comensal colabore con algo, sea la carne cruceña, el maíz del valle, las papas alteñas o las cebollas paceñas y el toque de una albaca italiana”.

Así podría imaginarlo al día siguiente de su victoria, pero con Eduardo nunca se sabe. No le gustan los aplausos y los vivas y se abstuvo de salir al escenario a recibir las aclamaciones de un público de pie ampliamente satisfecho con su trabajo Excepciones, presentado el 5 y 6 de abril en el IX Festival Internacional de Teatro de La Paz, FITAZ, en el improvisado escenario del garaje de la Cinemateca Nacional.

La obra -mejor dicho un caudaloso río con 12 afluentes- concebida y dirigida por el joven paceño es lo mejor que vimos en los últimos años y superó las expectativas por varios motivos: la calidez y originalidad de la propuesta; el pulcro trabajo de cada uno de los dramaturgos, directores, artistas y el equipo de apoyo; la proyección de un quehacer cultural nacional que se fecunda a sí mismo a pesar de las muchas dificultades para el arte sin estridencia ni folklorismo nacionalista.

Un torrente de aguas claras nutrido por el trabajo apasionado de muchos artistas, algunos de los cuales conocimos desde hace dos décadas en sus primeros ensayos.

Excepciones fue lo principal del programa del FITAZ, a pesar de otras puestas notables como el Otelo de los chilenos Viajenmóvil y la muy buena presentación de  grupos bolivianos como Madrastra de Cochabamba (Riñón de cerdo para el desconsuelo) o Phajsi Teatro (con la infantil El secreto bajo las alas).

La obra

Este río consta de 12 vertientes/historias sobre el amor, aquel asunto que ya inquietaba a los trágicos griegos y que sigue como un misterio irresoluble.

Una pléyade de autores escribió algún pasaje con ese ingrediente sensible: Maritza Wilde, Percy Jiménez, Diego Aramburo, Soledad Ardaya, Fredy Chipana, Miguel Vargas y Luis Bredow.

Eduardo Calla, Rodrigo Bellott, Claudia Eid, Denisse Arancibia y Juan Pablo Richter, Marcos Loayza y Alejandro Molina. Algunos dirigieron sus obras, otros compartieron esa tarea.

Cada autor/director consiguió dar su propio tono y a la vez mantenerse dentro del concepto general, quizá el punto más alto de la puesta en escena. Jiménez abstracto, Bellott cineasta, Eid atormentada, Vargas musical, Calla irónico, Arancibia ingenua, Ardaya literata.

Cada uno, a su manera, introdujo nuevas tecnologías que se convirtieron en los hilos conectores de todo el complejo sistema de manantiales para que nada se desborde.

La joven escritora Camila Urioste junto con Jiménez y Calla tuvo la responsabilidad de cuidar los detalles y las transiciones que sin ese aporte podrían haber convertido el torrente en inundación. Pedro Grossmann condujo a los pasajeros en cada puerto, sin caer en roles aburridos de maestro de ceremonias.

Destacó en primer lugar la idea del propio Calla con un extraordinario Christian Mercado. Gusté mucho del enfoque de Sopa de verduras, dirigido por Ariel Muñoz y la actuación de Carlos Ureña y el trabajo limpio y honesto de Bellott junto a Fernando Gamarra y Fernando Barbosa.

La originalidad de Miguel Vargas combinó con la presencia de las consagradas María Teresa Dal Pero y Patricia García. Extraordinario Chipana con Bernardo Arancibia. Mauricio Toledo enfrentó un duro rol y salió airoso, igual que la fina Mariana Vargas y el experimentado Fernando Arce.

Escenario

Aunque la amplitud del trabajo precisa un escenario no convencional, el lugar elegido no es el más apropiado. Primero porque se filtran los ruidos de la calle, bocinazos, alarmas de vehículos que perturban los monólogos -de hecho el formato más difícil en el teatro- y perjudican la combinación con el uso de micrófonos, computadoras, voces en off…

Presenciar dos horas de teatro desde una galería improvisada o desde el suelo de cemento es un suplicio, aún ante una buena oferta. La distracción y los estiramientos de piernas adormecidas desviaron la atención que intentó mantener y respetar en cada escena.

Coda

Dos apuntes adicionales. No fue adecuado inaugurar el FITAZ con danza así sea de buena factura, aún con textos y como parte de las artes escénicas. El mensaje subliminal fue negativo, tanto por la relación con los auspiciadores o por la idea de tener un “mensaje políticamente correcto” para el momento boliviano actual, como -sobre todo- porque parecía que el teatro boliviano no tenía nada para ofrecer al abrirse el telón del festival.

Por otra parte, lamento la ausencia de empresas estatales nacionalizadas para auspiciar cultura. ¿Dónde se van los excedentes de YPFB, BOA, ENTEL?  El logo del Ministerio de Culturas y del Fondo de Fomento a la Educación Cívico Patriótica (¿?) no es suficiente y se depende de la cooperación internacional holandesa o suiza o española para montar los mejores espectáculos.

Más triste aún, la vigilia permanente de agentes de Impuestos Internos para controlar la venta de entradas, el ingreso de invitados especiales, las butacas para los periodistas del área cultural.

¡Qué paradoja! Mientras bloqueaban los cooperativistas mineros que no aportan al erario nacional según sus ingresos, el Servicio de Impuestos contaba al puñado de espectadores que apoyó a unas artistas que trabajaron por meses una obra para los niños, para alentarlos a conocer el mundo guaraní y el cuidado del agua.

Como premio a su esfuerzo, se llevarán nada más y nada menos que 300 o 400 bolivianos, menos impuestos. Eso seguramente no lo saben de Patujito ni Kantutita…

Escuela de Espectadores

Sobre La saga de los vampiros

Omar Rocha Velasco

Luis Caballero y Javier Soria lograron montar una excelente comedia que no pretende sólo arrancar sonrisas al público, también quiere que reflexione sobre la violencia constitutiva en los seres humanos y la necesidad de la muerte, por eso Ciro, uno de los vampiros, se queja gran parte de la obra porque está aburrido de vivir, tiene un problema con la inmortalidad (igual que en la novela de Anne Rice y en la película de Neil Jordan).

Efestos, el otro vampiro, es un poco más “light” y tiene preocupaciones diferentes a las de su compañero, ese contrapunteo es el gran disparador escénico.   

Es una obra compleja en lo temporal, no es lineal, juega con oscilaciones entre el pasado (flashbacks a diversos momentos de la historia de occidente) y vueltas al presente, esos saltos temporales no son bruscos ni destemplados, al contrario, están muy bien logrados. Todo esto sólo es posible gracias a una gran actuación, madura, versátil y dinámica.

La escenografía es mínima: un muñeco articulado, un ataúd y unas cañas (espadas), todos estos elementos están muy bien aprovechados, su manejo hace que tengan diversidad de funciones y complementados con el vestuario, permiten recrear distintos momentos de la historia  de occidente.

Así, el ataúd y una de las túnicas, sirven para recrear una de las carabelas con las que Colón llegó a América. Algo de eso sucede con el paso de los vampiros por Oriente, con su participación en la Segunda Guerra Mundial, con su papel de espías rusos que se dejan seducir por las drogas y el rock and roll y otros diversos momentos de la historia por los que atraviesan.

El muñeco articulado es fundamental en esto, una pequeña prenda (como cuando vestimos un muñeco con ropa de Alasitas), o un pequeño símbolo, sirven para identificar la época y acompañar el viaje de los vampiros.

Decir las cosas con humor no es frecuente en nuestro medio, ese es un valor, más todavía cuando está bien trabajado, se alimenta de la ironía, es reflexivo y sirve para desmontar lugares comunes. Sobre esto último nos surge una duda, ¿la obra intenta cuestionar, a través del humor y la ironía, esa historia light y oficial a la que estamos acostumbrados o, por el contrario, es una obra que cae otra vez en esos lugares comunes que llamamos clichés? Si es lo primero, la obra ronda la perfección, si es lo segundo, sería una pena.

En definitiva, una gran propuesta en lo temático, en la actuación y en lo escénico, la llegada al público fue estupenda, efectiva, al extremo de arrancar carcajadas descontroladas, tanto en los mayores como en los niños y eso que los últimos son un público muy difícil por su espontaneidad y honestidad.

Nota: La Escuela de Espectadores de La Paz es un espacio de reflexión y discusión sobre obras de teatro. La próxima obra a ser discutida será Excepciones, el 28 de abril. Los interesados pueden llamar al 2410329 (Int. 227) o acudir al CEDOAL (Ecuador, 2503)

Cafetín con gramófono

Desbarros

La historia de un impasse de crítica literaria, o por qué Carlos Medinaceli no fue poeta y sí un gran ensayista y narrador.

Omar Rocha Velasco

En 1920, Carlos Medinaceli, de apenas 22 años, ganaba los “Juegos Florales” convocados en Potosí por el Círculo de Bellas Artes. El galardonado había sido parte del grupo de jóvenes que, bajo la tutela de Claudio Peñaranda, publicaron sus primeros versos en el periódico La Mañana de Sucre. Esta fue la noticia que los lectores de este  diario encontraron una mañana de agosto:

Singular esplendor ha tenido la Villa Imperial de Potosí, la Fiesta de la Poesía y la Belleza, a la cual concursaron más de treinta autores con sus composiciones. La flor natural y la banda del Gay Saber, ha sido concedida al silencioso poeta chuquisaqueño adolescente Carlos Medinaceli, cuya labor desde estudiante en “Tribuna de la juventud”, “La Mañana”, de Sucre, y “Gesta Bárbara” de Potosí, revista de la cual es director y redactor principal, hacían esperar de él promisorios triunfos literarios e intelectuales. La poesía laureada, elegante en la forma, erudita y hondamente filosófica en el fondo, es muy digna del lauro con que se ha reconocido y valorado su mérito superior e indiscutible. Firmó él con el pseudónimo de Parsifal, su poema Las voces de la noche, diálogo con preludio entre el Ruiseñor y el Cuervo, con breve epílogo, en 56 estrofas (sic.).

El escritor en ciernes, todavía con guirnaldas en el cuello, laureles en las sienes y embriagado por los perfumes de Isaura Nogales Mendoza (reina de aquellos memorables juegos florales), jamás se imaginó que pocos días después del triunfo, sus poemas serían duramente “criticados” por un tal Gonzalo Gonzales de la Gonzalera, pseudónimo que debió retumbar en su cabeza durante mucho tiempo. En efecto, el personaje de la triple G utilizó el espacio que le concediera el periódico El Radical (y nada menos) para deshacer minuciosamente la obra ganadora en un texto llamado “Ripios Florales”. He aquí algunos de los juicios vertidos:

(…) se cae en cuenta de que mejor pudo llamarse Diálogo rimado de un Ruiseñor y Cuervo trasnochado

Norcharniega ... ¿que oídos tendrán los poetas y los jurys para que les haya gustado esa palabreja. VULGAR, ANTICUADA y del peor gusto?

Negra lágrima. Vaya, eso no es más que cometer una por-ca-da literaria y ENSUCIARLA FEAMENTE (sic).

Hasta aquí todo a favor de GGG, pero mientras se frotaba las manos y sonreía con ese gesto de media luna que es señal de triunfo ante la caída del oponente, vino el desenmascaramiento. La palabra es ampliamente pertinente para calificar lo que significó el texto llamado Desbarros y publicado por un tal Juan Maldía, en defensa de la obra defenestrada: 

Indulgente lector:

En los presentes "Desbarros" y por rara manera, vamos en contra de la gramatiquería insustanciosa y pueril, de la cual es genuino representante el señor GONZALO GONZALES DE LA GONZALERA. Y lo hacemos, no por contestar única y exclusivamente al ya nombrado señor, sino, porque conviene a un ambiente literario en formación, rebatir las ideas absurdas, del de la Gonzalera, que como ya dijimos es representante de una clase, intelectual, si se quiere, que toma el rábano por las hojas.

Aquí caben algunas aclaraciones. Gonzales de la Gonzalera resultó ser Luis Serrudo Vargas, cuyo texto revelaba cierto ingenio, buen humor y algunos conocimientos de preceptiva literaria, sin embargo el tipo de “crítica” que planteaba, seguía fervientemente la obsesión gramatical que caracterizaba a los que todavía sentían nostalgia del castellano puro o la lengua castiza no contaminada y se olvidaban por entero de lo que eran la poesía y el poema. Una crítica externa que se ruborizaba porque se hablaba del “alma de las cosas”, o de las incongruencias sintácticas entre los elementos de un verso. Esta perspectiva permitía matarse de risa por lo absurdo de la propuesta, pero lo que catapultó al señor Serrudo fue su falta de ética al copiar casi textualmente a Antonio de Valbuena, un español torturado de la gramática, que tuvo mucha influencia en su momento.

El encargado de estos desenmascaramientos, ese tal Juan Maldía, resultó siendo Alberto Saavedra Nogales, otro adolescente que era parte de Gesta Bárbara y muy amigo de Medinaceli. Desbarros se publicó en forma de folleto y desfilo por la intelectualidad potosina durante algún tiempo. Este texto sigue el mismo estilo que utilizara el de la triple G y se torna en una parodia corrosiva por excelencia, va desdibujando cada uno de los “ripios” que GGG encontró en la obra de Parsifal (Medinaceli).

Un último detalle, a pesar de la defensa de Saavedra Nogales (Maldía), la crítica de GGG fue tan dura que Medinaceli dejó de escribir poesía y se dedicó a los ensayos y a las narraciones que configuraron la gran obra que ahora conocemos. Una frase resume su dolencia: “cuando era joven cometí algunos poemas...”. 

De arte y artistas

Salones de arte, bienales y “contextos” de arte contemporáneo en Bolivia

Breve introducción –y contextualización- a una nueva bienal de arte en actual exposición en un repositorio de La Paz.

Detalle de la obra de Alejandra Delgado (Foto: Pedro Querejazu)

Pedro Querejazu

La muestra de las obras de la III Bienal “Contextos” está abierta al público desde su inauguración, el viernes 28 de marzo, al hasta el domingo 20 de abril, en las salas temporales del Museo Nacional de Arte, en La Paz.

Haciendo un contexto de la bienal “Contextos” menciono aquí que la iniciativa de la Alcaldía de La Paz de diseñar y poner en marcha políticas culturales respecto del estímulo a la creación artística, manifestada en el Salón Municipal de Artes “Pedro Domingo Murillo”, convocado ininterrumpidamente desde 1953, fue imitada por otros gobiernos municipales en las principales ciudades del país.

Así nacieron el Salón 14 de Septiembre en Cochabamba, o el de Santa Cruz, por citar los dos ejemplos más constantes e interesantes. La temprana iniciativa paceña pareciera haber puesto recientemente marcha atrás, como mencioné en un artículo anterior.

Por su parte, el salón de Santa Cruz, tras su décima versión se convirtió en la Bienal de Arte de Santa Cruz, con una marcada vocación de estímulo al arte contemporáneo, mayor que la que se da ahora en La Paz.

Las obras galardonadas en esa bienal se pueden apreciar en el Museo de Arte de Santa Cruz. Siguiendo esa línea, que los gestores municipales de Santa Cruz no permitieron que fuera copada por la ABAP ni la ADAP, está ya convocada la “XIX Bienal de Artes Visuales Bolivia, 2014” para desarrollarse este año.[1]

Paralelamente a las gestiones de los distintos municipios, se fueron dando varias iniciativas de estímulo al arte, desde el ámbito privado. Un ejemplo notable fueron las tres versiones de la Bienal INBO, de 1975, 1977 y 2000.

Otra bienal, no tan exitosa, por errores y miopía de visión de sus gestores fueron las tres versiones de la Bienal Pucara de 1980, 1982 y 1984. Se han dado otras iniciativas más recientes como el CONART organizada desde el mARTadero, en Cochabamba, o el Salón Internacional de Arte Bolivia, en La Paz, más conocido como Bienal SIART, del que se han realizado siete versiones, la última el 2013, que pudiera denominarse como la “bienal sin artistas” o también la “bienal del caos”.

Dentro de ese panorama, con el auspicio del Centro Pedagógico y Cultural de la Fundación Simón I. Patiño, con sede en el Palacio Portales de Cochabamba, dos artistas de dos generaciones han venido convocando a las bienales de arte contemporáneo tituladas “Contextos”.

Los curadores de esta III Bienal, Ramiro Garavito y Douglas Rodrigo Rada, la han convocado con el tema “La idea como arte, la idea como palabra y la palabra como arte”. Esta definición conceptual ha marcado tanto la selección de artistas invitados a participar en el evento, como la selección y producción de obras. El tema, como se puede apreciar claramente, tiene vinculación con el arte conceptual.[2]

Los artistas que fueron invitados y participaron son: Jaime Achocalla, Alejandra Alarcón, Iván Cáceres, Galo Coca, Ligia D’Andrea, Alejandra Delgado, Alejandra Dorado, Ramiro Garavito, Algelika Heckl, Andrés Mallo, Guiomar Mesa, Raquel Schwartz, Roberto Valcárcel.

Por la lista de nombres, uno puede apreciar que fueron convocados artistas de tres generaciones: la de 1975 (Valcárcel, Garavito, D’Andrea), la de 1990 (Schwartz, Mesa, Dorado), y la de artistas emergentes del siglo XXI (Alarcón, Delgado, Achocalla, Coca, Rada y los demás).

La exposición está bien montada y será agradable, interesante, convocante, cuestionante y diciente para el público visitante. Las propuestas artísticas, son en general de muy buena calidad de forma y contenido, y también son muy diversas en sus lenguajes y medios: objetos reciclados y/o intervenidos, instalaciones, videoarte, arte conceptual, y combinaciones entre estos y otros medios.

Gracias al montaje, al público le quedará clara la relación entre idea, palabra, símbolo, signo, arte visual, arte contemporáneo.

Las propuestas más interesantes, en mi opinión, y en el orden que las menciono, son: Arenga, 2013 (videoarte) de Alejandra Delgado; En venta, instalación, de Galo Coca; Tocapu, 2013, de Guiomar Mesa; Cuadro primoroso y Político, 2013, de Roberto Valcárcel; Feroz, 2013, de Alejandra Alarcón; Apenas puedo moverme, 2013, de Douglas Rodrigo Rada, y Hora boliviana, 2013, de Jaime Achocalla. El público visitante podrá hacer su propia selección de preferencias.

Concluyendo, diré que el logro de la curaduría respecto del tema de la convocatoria es que las numerosas obras, realizadas en distintos contextos históricos, medios y propuestas, al ser reunidas y presentadas en conjunto ofrecen “un discurso único en su diversidad”.

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[1]  Décimo novena versión del evento; la sumatoria de diez salones anuales de arte de Santa Cruz y nueve salones bienales de artes visuales.

[2]  Ver también: http://www.palabrasmas.org/nius/index.php?page=32&idn=2035

Reseña

Iris, o imaginando un futuro predecible

Una lectura de la reciente novela de Edmundo Paz Soldán, su debut en la ciencia ficción, un buen pretexto de reflexión existencialista.

Martín Zelaya Sánchez

¿Se imaginan que el día menos pensado, sin que nadie les diga nada, simplemente sientan la certeza de que van a morir, de que van a “desencarnarse”, y se abandonen no sólo resignados, sino hasta entusiastas a esperar el abrazo fatal de la deidad de la muerte?

Imagínense depender por completo de unas píldoras (swits) capaces de brindar la catarsis total –droga perfecta, legal, imprescindible- y, de paso, de un ubicuo aparato (qi) una especie de tableta o celular hiperdesarrollado que te acerque al mundo y sus conocimientos, pero a la vez, te limite a lo que quienes mandan quieren limitarte.

Así es Iris, el emporio distópico que Edmundo Paz Soldán imagina, construye, proyecta.  De esta manera, abandonado ya hace bastante el terrenal y muy reconocible Río Fugitivo, el autor se embarca en un nuevo proyecto de largo aliento. (En la presentación de la novela, hace ya casi dos meses en La Paz, admitió que no puede sacarse de la mente este universo que fabuló en los últimos cuatro años y que no sólo no descarta posibles secuelas, sino que ya trabaja en cuentos en la misma realidad y con el mismo tono).

La mayoría de las novelas convencionales pueden sintetizarse velozmente a partir de uno o dos personajes, el espacio en el que se desenvuelven y la trama-acción que les toca sufrir-desarrollar.

Si bien, haciendo un esfuerzo, este ejercicio también puede efectuarse con el nuevo libro de Paz Soldán -que fue recibido con pros y contra por igual por la crítica española-, no es lo importante, quizás ni siquiera es pertinente. Y es que se trata del tipo de trabajos que más allá del qué y el cómo, remiten obligadamente al por qué y al para qué.

El autor crea un ambiente determinado en un futuro mediato y con varias situaciones personales que se suceden y/o entrelazan y llevan a un par de grandes cuestiones fundamentales, una de corte social colectivo y otra más en el plano individual existencial.

Primero: ¿hacia dónde vamos con la hipertecnologización, la sobreexplotación de los recursos naturales y humanos, y la liberalización política y económica que parecen apuntar a la irremediable certeza de que cada vez más el mundo será para los pocos superpoderosos en desmedro de los muchos intrascendentes?

Y por otro lado: ¿qué será del ser humano cuando la despersonalización -a la que, por cierto, incita la tecnocracia llevada a extremos- desemboque en un momento en el que tanto la tradición, la cultura, como la religión, la ideología, los valores y hasta los instintivos lazos de relacionamiento sentimental y social, queden en el olvido?

Para todo esto el autor concibe –y en esto reside lo valioso de la propuesta literaria, más allá de que se cae en algún que otro lugar común de la ciencia ficción- un espacio físico indeterminado, crea con maestría un microcosmos no sólo verosímil sino altamente previsible y hasta se anima -aunque con menos fortuna- a aventurar la cotidianidad de este su mundo desde los rasgos físicos de los “nuevos humanos”, hasta lo que podría ser un nuevo esperanto o idioma universal -rotas las fronteras geográficas como hoy las concebimos- mezcla de español, inglés, portugués… una suerte de dialecto sustentado en neologismos, pero no del todo bien resuelto.

Las historias

Se estableció hace ya más de un siglo -según el lector va entendiendo pasadas las primeras pesadas páginas de ambientación- un protectorado aislado del resto del planeta.2

En Iris gobierna Saint Rei, una megacorporación que, con el permiso de Munro (¿una especie de ONU del futuro? O un “imperio” -¿Estados Unidos?- que triunfó al fin), no sólo explota los ricos yacimientos minerales de x503, sino que de paso somete a los irisinos, una “raza” signada por mutaciones y debilitamiento genético a partir de las secuelas de pruebas nucleares efectuadas en el territorio en décadas pasadas.

Ese es el panorama macro, en el que se desenvuelven Xavier (shanz, o patrullero al servicio de Saint Rei que cumple así condena por un grave crimen3), Reynolds (sanguinario caza irisinos), Yaz (enfermera proveedora de swits legales e ilegales), Orlewen (especie de mesías y a la vez líder político irisino) y Katja (incrédula investigadora que llega al protectorado para descubrir que poco o nada se puede ya descubrir-subsanar), los cinco protagonistas que, a la vez, dan nombre a las cinco grandes partes en las que se divide la novela.

Como queda dicho, de poco vale comentar vida y gracia de estos personajes, pues aunque de ellos se desprende todo, son simplemente hilo conductor para el escenario, la estructura, el fondo, que son el fuerte de la novela.

Valga, a manera de anécdota, retribuir el guiño que hace Edmundo a los bolivianos al introducir -con sus respectivos ropajes- al Tío de la Mina, al pijcheo4, al trancapecho, y al mercado de las brujas entre línea, párrafo y página, mientras los personajes buscan huir de los shanz o de sí mismos con swits, polvo de estrellas o jün, o, finalmente, mientras esperan la trascendencia final (el abrazo de la muerte) como única esperanza. 

1 “O quizás el cerebro se hacía el que se dejaba engañar y sabía desde siempre que la percepción era un artificio, que el mundo en torno nuestro debía ser representado de alguna manera para que la realidad pudiera funcionar”. (pág 257)

2 “Habíamos notado que cada vez sabíamos menos de lo que ocurría afuera. Que siempre había excusas para que las conexiones no fueran fáciles. Que por eso ya no llamábamos tanto. Que a veces recibíamos noticias con meses de retraso”. (pág 115)

3 “Lo esencial era que si habíamos terminado en Iris significaba que no nos había ido bien. Sólo gente desesperada podía firmar un contrato que impedía volver a casa. Sólo gente sin futuro estaba dispuesta a buscarse uno en Iris”. (pág 107)

4 “Le quedaba el consuelo de las hojas de Kütt. Debía masticarlas antes de cada jornada de trabajo. Eso amortiguaría el cansancio, el dolor, el hambre”. (pág 234)